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Call for papers – Franquismo y literatura: ortodoxias y heterodoxias

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CONGRESO INTERNACIONAL

Franquismo y literatura: ortodoxias y heterodoxias

Organizado por GLyF (Grupo Literatura y Franquismo)
Universidad de Alcalá | 20, 21 y 22 de noviembre de 2019​

En 2019 se cumplirán ochenta años de la imposición definitiva de la dictadura de Franco. Esta efeméride se presenta, en el marco de los debates sobre la memoria histórica y cultural presentes en nuestra sociedad, como una ocasión para seguir reflexionando acerca del modo en que el Franquismo condicionó la producción, difusión y recepción literarias entre 1939 y 1975.

Las relaciones entre dictadura y literatura han sido abordadas desde una pluralidad de enfoques y de disciplinas. Este congreso tiene vocación de escribir un episodio nuevo en la reconstrucción de esa memoria literaria, superando la fragmentariedad epistemológica previa. Para ello, se propone el estudio de la literatura durante el Franquismo en su dimensión de práctica cultural inserta en un sistema más amplio regido por una serie de instituciones, hábitos y relaciones de poder. En consecuencia, los análisis meramente textuales quedan fuera de los intereses de este congreso, que se centra en tres líneas temáticas:

1.- Censura y represión
Estudio de los mecanismos a través de los cuales tanto el Estado como otras instituciones vigilaron, condicionaron y cercenaron la producción literaria. En esta línea se incluirán tanto trabajos que versen sobre las prácticas represivas encaminadas a asegurar la ortodoxia (censura de Estado, censuras eclesiástica y militar, purgas y destrucción de libros, etc.) como sobre las respuestas heterodoxas (propuestas estéticas frente a la censura, análisis de obras censuradas, etc.), así como sobre formas que, como la autocensura, pueden ser ambivalentes.

2.- Campo editorial y escena teatral
Estudio de cómo las distintas estructuras y agentes de producción literaria y teatral se amoldaron, por una parte, a la ortodoxia, y forjaron, por otra, los discursos de la heterodoxia: editoriales públicas y privadas, revistas y prensa, compañías teatrales y TEUs, traducción, importación y distribución de libros, oficialidad y clandestinidad, premios, subvenciones, etc.

3.- Poéticas y canon
Estudio de los discursos ideológicos sobre la literatura que o bien coadyuvaron a la formación del canon literario en el contexto del Franquismo o bien lo cuestionaron: textos programáticos, estéticas de la ortodoxia y de la heterodoxia al régimen, crítica e historiografía literarias, enseñanza de la literatura, debates y polémicas en ensayos, revistas, conferencias, prensa, epistolarios, etc.

​En resumen, el congreso se interroga sobre el papel jugado por el Franquismo, a través de sus instituciones culturales, como lugar de enunciación para la literatura de los discursos literarios entre 1939 y 1975. Igualmente, esperamos que en este congreso se analicen las respuestas ofrecidas desde el campo literario a ese marco enunciativo. Para ello, proponemos una doble aproximación a cada una de las líneas enumeradas más arriba:

  • La ortodoxia: análisis de la represión, la industria literaria y el canon desde el punto de vista de las ideologías de los vencedores de la guerra y de los discursos impuestos como hegemónicos en las sucesivas fases del Estado franquista.
  • La heterodoxia: estudios sobre el modo en que la represión, la industria y el canon fueron reapropiados o contestados por parte de los perdedores y los disidentes, tanto del interior como del exilio.

Se aceptan propuestas de comunicaciones hasta el 15 de marzo de 2019. Aunque la lengua del congreso será el español, se aceptarán comunicaciones sobre cualquiera de los sistemas literarios afectados por el régimen franquista. Las comunicaciones tendrán una duración de veinte minutos y el Comité Organizador comunicará la aceptación o rechazo de las propuestas por correo electrónico antes del 15 de abril de 2019.

Para solicitar la presentación de una comunicación, será necesario rellenar y enviar este formulario, incluyendo un resumen de no más de 400 palabras.

#NovedadesEspaña – La dramaturgia política

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La dramaturgia política: poéticas del teatro político
César de Vicente Hernando
Madrid: Centro de Documentación Crítica, 2018, 190 p., ill., ISBN 9788469797297, 16,00 €

En La dramaturgia política se examinan los fundamentos teóricos y los procedimientos estéticos que han constituido el discurso del Teatro Político desde sus orígenes hasta nuestros días. No es un manual de escritura teatral si no un texto que, teniendo en cuenta las poéticas teatrales contemporáneas, incide en los elementos que produjo el Teatro Político para poder analizar su objeto de investigación: el poder. Hay en La dramaturgia política una exposición del proceso de significación antagonista y una crítica de las condiciones que ha impuesto el campo del teatro occidental hegemonizado por el discurso el teatro humanista, en unos casos, o del teatro moralista, en otros, cuando no directamente por el discurso del espectáculo. También se definen en el mismo aspectos básicos de una dramaturgia determinada por el proyecto constituyente y los elementos característicos del “texto” teatral subsumidos por el Teatro Político.

También del mismo autor: La escena constituyente: teoría y práctica del teatro político (Madrid: Centro de Documentación Crítica, 2013).

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La estupidez (Rafael Spregelburd) en el “Mixed Zone” de Liège

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En el marco del II Festival Littéraire International “Mixed Zone”, organizado por los departamentos de Filología Moderna (Germánica y Románica) y Antigua de la Universidad de Lieja (Bélgica), se reúnen en estos días escritores de fama internacional, traductores, editores, libreros, catedráticos y estudiantes en unas conferencias y talleres que giran en torno al tema del cruce de fronteras (geográficas, lingüísticas, culturales…). Entre estos invitados de renombre destaca la presencia del dramaturgo argentino Rafael Spregelburd; algunas de sus obras se mostrarán paralelamente en el Théâtre de Liège.

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Presentamos aquí una introducción a uno de sus trabajos, La estupidez, pieza que, junto con otros éxitos suyos, pueden encontrar en nuestra librería de la calle Huertas, 40.

«La estupidez, calificada de road-theatre, pone en escena cinco historias entrelazadas que tienen lugar en habitaciones de sendos hoteles en Las Vegas: tres policías andan enredados en asuntos de robos, confundidos ante la riqueza mal adquirida y la culpabilidad que eso conlleva; dos estafadores intentan vender un cuadro robado por una fortuna; un grupo de cinco amigos se enriquecen al recurrir a un cálculo matemático que les permite ganar, de forma fraudulenta, en la ruleta; un científico ha encontrado la solución de la Ecuación de Lorenz –que no en vano predetermina el caos en las predicciones sobre dinámica de fluidos– y busca una manera de avisar a las generaciones posteriores de sus consecuencias; una joven discapacitada, testigo de delitos es maltratada por su hermano.

Todo sucede simultáneamente, los diálogos se sobreponen y se desarrollan en un mismo espacio. El carácter dialógico del guion, en el que se mezclan una multitud de voces, forma una cacofonía de la cual resulta una incomprensión total. Hay una completa saturación. Una señora le cuenta el fracaso de su matrimonio a un perfecto desconocido, quien apenas puede disimular su absoluto desinterés; la niña discapacitada intenta narrar lo que presenció recurriendo al lenguaje de las señas, sin lograr que la policía la entienda; las llamadas telefónicas se pierden por la abundancia de intermediarios; la valiosa ecuación de física cuántica revelada en la columna de una revista de ocio es confundida con las predicciones de Nostradamus. Finalmente, la obra concluye con las vehementes palabras del policía Wilcox, que evidencian la incapacidad receptiva de la sociedad y la desilusión que ello conlleva: “¿Hasta cuándo durará esto? Hablamos cada vez menos. Tratamos de no ver a nadie. […] Recé como pude, y le pedí a dios. Le pedí que todo esto cambie. Pero no pasó nada”. Hasta dios se hace el sordo: rezar no aporta soluciones, sino que refuerza la angustia ante la pérdida de puntos de referencia.

La estupidez

El proyecto spregelburdiano de deconstrucción del lenguaje va más allá de atisbar los límites del mismo en tanto que generador y organizador de la realidad. En La estupidez se busca otro “lenguaje” universal trascendente, no lingüístico. Aparecen tres discursos hegemónicos que ocupan esa función: el dinero, el arte y la ciencia. Cada uno de ellos, como el idioma, puede deconstruirse para poner de relieve su naturaleza engañosa. El ejemplo más obvio tal vez sea el del dinero. Como se ha dicho, la acción se desarrolla en Las Vegas, ciudad emblemática de la diversión, donde la riqueza material desempeña el papel de lenguaje absoluto. Entre robos, apuestas tramposas en los casinos, ventas ilegales, chantajes y deudas con la mafia, el valor monetario es el único discurso que se impone: la codicia enreda las relaciones y rige los destinos de los personajes. Sin embargo, la característica esencial del dinero en la obra es que se pierde, pasa de un bolsillo a otro, no pertenece a nadie, no es, en fin, una “realidad”, sino más bien una ilusión que no puede aportar certezas ni coherencia o estabilidad; solo duda, incertidumbre y vacío.»

Auréline Mossoux, «La estupidez, de Rafael Spregelbund» (extracto). Pueden leer la reseña completa en este enlace.

María M. Delgado, cuestionario: «Otro» teatro español: supresión e inscripción en la escena española de los siglos XX y XXI

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María M. Delgado

Hace escasos días llegó «Otro» teatro español: supresión e inscripción en la escena española de los siglos XX y XXI, de María M. Delgado, traducido por Mar Diestro-Dópido. Para conocer algunos detalles más del libro, le planteamos esta serie de preguntas que ella tuvo la gentileza de contestar.

Titulas tu libro “Otra” historia del teatro español, ¿qué convierte esta historia en “otra”, de dónde surge la necesidad de llamarla así y de escribir “otra”historia del teatro español?

La Historia, y las historias que la componen, son siempre muy selectivas. Mi estudio no es una excepción. Cuando sostengo que existe “otra” historia, a lo que me refiero realmente es a ciertas prácticas que han llevado a cabo intérpretes, directores y compañías que de alguna manera se han situado en los márgenes de las historias de teatro ya existentes, centradas estas últimas en la tradición textual, en el auge tanto del texto escrito como de la industria editorial, en la autoría así encarnada en la “interpretación” de un texto en el escenario.

¿Pero qué pasa cuando la autoría se produce dentro de la misma estructura de una compañía, como es el caso de La Cubana? ¿O la forma en que ciertos directores de teatro en particular, como por ejemplo Lluís Pasqual, rescriben el texto para producir algo nuevo durante el proceso de los ensayos? ¿Y qué hay de los actores que son “autores” de sus interpretaciones? “Otro” aquí también se refiere a un análisis detallado del por qué algunas prácticas (o practicantes) a menudo se dejan fuera de las historias del teatro. Aquí entran en juego cuestiones de género, o lo que es decir, otra forma de examinar el papel social y cultural que han jugado las actrices españolas tanto dentro como fuera del país.

Han pasado 14 años desde la publicación del libro original del que este es traducción. ¿Ha cambiado mucho en este tiempo en el panorama teatral español?, ¿cómo has integrado esos cambios en esta nueva edición del libro, aumentada y actualizada respecto a aquella?

He rescrito gran parte del manuscrito original e introducido un número de cambios necesarios. Publicado en español el contexto tiene que ser algo diferente y quería asegurarme de que el trabajo de los profesionales del teatro que están todavía en activo estuviera actualizado. (¡Le estoy muy agradecida a la meticulosidad de la traductora del libro, Mar Diestro-Dópido, por ello!). A lo largo del siglo XXI se han realizado trabajos extraordinarios: como la interpretación del Rey Lear de Núria Espert a sus 80 años; La Cubana ha vuelto a llevar al escenario uno de sus éxitos anteriores dentro de un contexto político muy diferente al original; Lluís Pasqual regresó al Lliure como Director Artístico. También era importante examinar el desarrollo de las trayectorias de profesionales ya fallecidos en el siglo anterior, así como la forma en que su legado ha cambiado; como por ejemplo el reconocimiento de Enrique Rambal en la novela de Marcos Ordóñez de 2002, Comedia con fantasmas, así como la influencia de Casares 20 años después de su muerte. Efectivamente, las cosas han cambiado en el panorama teatral español. Rescribí el libro durante una recesión en la que se impuso un aumento del IVA al 21% en las entradas de teatro, se recortaron las subvenciones del estado, y se generó una estética más austera en los escenarios. Se comenzó a cuestionar el valor de la cultura en un momento en el que una gran parte de la población se encontraba en el paro y se enfrentaba a pésimas condiciones económicas. ¿Qué papel juega el teatro en momentos así? ¿Cómo genera debate público? ¿Cómo representa puntos de vista alternativos? Además de todo esto, la cuestión de la memoria histórica ha adquirido una mayor relevancia y ha determinado cómo se realiza y se recibe un trabajo. El teatro cambia con el mundo, es una entidad viva que respira, un espejo de la sociedad que lo produce.

Teniendo en cuenta tu campo literario y cultural, ¿podrías contarnos con qué otras obras / autores / corrientes / culturas, dialoga tu trabajo? 

El libro hace uso de una serie de historiadores anglosajones, desde Jacky Bratton hasta Marvin Carlson, así como Maggie Gale y Joseph Roach. También establece una relación con el trabajo académico realizado por historiadores de teatro españoles como Manuel Aznar Soler, David George, David Gies y José Antonio Sánchez. Igualmente, he hecho uso de testimonios orales históricos, entrevistas y referencia a autobiografías y memorias, así como del pensamiento crítico de Ronald Barthes y Jacques Derrida. He tenido la gran suerte de asistir a un importante número de representaciones en España durante los últimos 30 años y de establecer un diálogo con figuras claves del teatro. La investigación de archivo ha sido un elemento clave para este estudio y me ha permitido analizar en detalle cuestiones más generales en torno a la documentación y la historización.

Tu libro incluye personalidades tan dispares como Margarita Xirgu o Núria Espert, actrices consideradas dramáticas, y La Cubana, una compañía que se dedica a la comedia, ¿cuál ha sido tu criterio a la hora de seleccionar a los protagonistas de tu estudio, a qué necesidades responde esta selección?

En un principio, la idea original era la de escribir un libro sobre la representación del teatro popular en España, siguiendo una trayectoria que fuera desde Enrique Rambal hasta La Cubana. Pero después, para otro proyecto diferente, comencé a escribir sobre el papel que jugaron ciertas actrices en promover el trabajo de dramaturgos y de pronto me encontré pensando sobre las distintas formas en que se produce la marginalización. Me interesa mucho la idea de las genealogías, la forma en que los actores ven y recurren al trabajo de otros, y comencé a trazar un linaje de actrices dramáticas en particular, mujeres profesionales muy preparadas que han tenido una profunda influencia en escritores, directores y público tanto en España, e incluso más importante, fuera de ella. La idea era reflexionar, por medio de una serie de redes de conexión, sobre las diferentes formas en que, tal como dijo Roach, las sociedades se “han inventado a sí mismas mediante la representación de su pasado en presencia de otros”. De esta manera, hay una serie de argumentos interconectados que circulan a lo largo de todo el libro, cuestiones como la memoria y el concepto de “hauntología”, la voluntad y la traducción, así como una reflexión sobre el modo en que escribe y rescribe el texto en su representación, transformando lo que es conocido en algo desconocido al ubicarlo dentro de un contexto nuevo sobre el escenario.

Cómo investigadora que ha desarrollado su trabajo en Inglaterra, ¿cómo ves la recepción del teatro español allí?, ¿se conoce y representa?, ¿qué autores se están traduciendo / llevando a la escena?

Tradicionalmente es escaso el número de obras españolas que llegan a los escenarios británicos, especialmente cuando lo comparamos con compañías provenientes de Francia o cada vez más de Alemania, aunque esta situación ha estado cambiando en los últimos años. Por supuesto el flamenco es inmensamente popular en el festival anual que se realiza en el teatro Sadler’s Wells. Este año Juan Mayorga y Josep Maria Miró han visto su trabajo representado en los escenarios de Londres y Manchester respectivamente. La compañía Atresbandes ha atraído un gran número de seguidores después de tomar parte en el BE Festival y el Festival de Edimburgo. Xavi Bobés obtuvo el primer premio en el BE Festival el año pasado con Cosas que se olvidan fácilmente. El trabajo de Rodrigo García ha sido representado en el Festival de Brighton y Calixto Bieito es un director habitual de compañías de ópera británicas. También lo han sido La Fura dels Baus. Es igualmente importante mencionar los proyectos realizados por profesionales de teatro españoles con base en el Reino Unido, como son el teatro Cervantes de Jorge de Juan y la Compañía de Teatro Español en Londres.

¿Nos puedes adelantar en qué nuevos proyectos estás trabajando?

En este momento estoy trabajando en una serie de proyectos nuevos: una enciclopedia de directores y la dirección escénica para Cambridge University Press; un capítulo sobre los dramaturgos españoles en Europa; y el proyecto a largo plazo de un libro sobre la memoria y la recesión en España en que se incluirán casos prácticos provenientes de las artes visuales y escénicas.

***

«Otro» teatro español: supresión e inscripción en la escena española de los siglos XX y XXI se presentará en el Teatro Lliure de Barcelona (Plaça de Margarida Xirgu, 1) el próximo lunes 19 de junio a las 19:00h; la profesora Mercè Saumell introducirá las intervenciones de Lluís Pasqual (director teatral), Josep Maria Pou (actor y director), Jordi Milán (director de La Cubana) y la propia autora.

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Una historia de lo fantástico

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Lo fantástico se caracteriza por proponer un conflicto entre lo imposible y (nuestra idea de) lo real. Y lo esencial para que dicho conflicto genere un efecto fantástico no es la vacilación o la incertidumbre sobre las que muchos teóricos (desde el ya clásico ensayo de Todorov) siguen insistiendo, sino la inexplicabilidad del fenómeno. Una inexplicabilidad que no se determina exclusivamente en el ámbito intratextual sino que involucra al propio lector; lo fantástico —conviene insistir en ello— mantiene desde sus orígenes un constante debate con lo real extratextual: su objetivo primordial ha sido y es reflexionar sobre la realidad y sus límites, sobre nuestro conocimiento de esta y sobre la validez de las herramientas que hemos desarrollado para comprenderla y representarla. Ello determina que el mundo construido en los relatos fantásticos es siempre un reflejo de la (idea de) realidad en la que habita el lector. La irrupción de lo imposible en ese marco familiar supone una transgresión del paradigma de lo real vigente en el mundo extratextual y, derivado de ello, un inevitable efecto de inquietud ante la incapacidad de concebir la coexistencia de lo posible y lo imposible.

Con estas palabras define Davis Roas el principal objeto de estudio de Historia de lo fantástico en la cultura española contemporánea (1900-2015), una de nuestras más reciente novedades coordinada por este profesor de la Universidad Autónoma de Barcelona. A través de sus páginas catorce autores realizan un recorrido por las diferentes formas y representaciones que ha adquirido lo fantástico en diversas manifestaciones de la cultura española: teatro, narrativa (cuentos, novelas…), cine, televisión y también novela gráfica.

El libro se enmarca en las investigaciones y publicaciones realizadas por el Grupo de Estudios sobre lo Fantástico (GEF) de la Universidad Autónoma de Barcelona.

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Y será presentado por el propio David Roas en la librería Gigamesh (Barcelona) el próximo viernes 16 de junio, a las 19:00h. Allí podrán adquirir la obra. Nosotros estaremos presentes, preparados para aprender y descubrir nuevas claves de lectura de este completísimo estudio.

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NOVEDAD EDITORIAL: LA PIEDRA DE ROSETTA DEL TEATRO COMERCIAL EUROPEO. EL TEATRO CERVANTES DE ALCALÁ DE HENARES.

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Allen, John Jay
La Piedra de Rosetta del teatro comercial europeo. El Teatro Cervantes de Alcalá de Henares.
Madrid/Frankfurt, 2015, Iberoamericana / Vervuert, 150 p.,
Escena Clásica ; 7
ISBN: 9788484898665

521866El teatro comercial moderno se inicia en España sin patrocinio ni espacios propios. Miguel de Cervantes describió la extrema pobreza de sus primeras tentativas: “cuatro bancos en cuadro, con una manta detrás”. La comedia nació y creció a partir de apenas dos actores con una pasión común, compartida con un público que respondió masivamente a la llamada. Los primeros teatros surgieron alimentados por esa pasión, y sus huellas, en unos pocos casos preciosos, son todavía visibles a pesar de los siglos transcurridos. El presente volumen contiene la historia de uno de esos espacios clave: el teatro de Alcalá de Henares, cuyos primeros cimientos se remontan a las últimas décadas del siglo XVI. Este estudio contiene asimismo otra historia, casi tan improbable como la de la supervivencia del teatro mismo: la de la imaginación creativa, dedicación férrea y persistencia determinada de dos individuos de nuestro presente que, enfrentados a una serie interminable de obstáculos y reveses, se han mantenido firmes en su empeño por sustraer al olvido esos vestigios materiales.

John Jay Allen es profesor emérito de la Universidad de Kentucky. Reconocido cervantista, suyo es el estudio Don Quixote: Hero or Fool? (1969, 1979) y a él se debe la muy divulgada edición del Quijote de la colección “Letras Hispánicas” de la editorial Cátedra, revisada y puesta al día para su trigésimo primera edición (2014). Fue el primer editor de Cervantes, el boletín de la Cervantes Society of America, asociación cuya presidencia ocupó durante varios años. En el ámbito de los estudios teatrales es autor deThe Reconstruction of a Spanish Golden Age Playhouse: el Corral del Príncipe (1984), y coautor -con José María Ruano de la Haza- de Los teatros comerciales del siglo XVII y la escenificación de la comedia (1994), así como editor -junto con Domingo Ynduráin- de El gran teatro del mundo de Calderón de la Barca (1997).

Puedes consultar el índice pinchando aquí, la introducción aquí y comprarlo, aquí.

NOVEDAD EDITORIAL: CALDERÓN. TEXTO, REESCRITURA, SIGNIFICADO Y REPRESENTACIÓN

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Fernández Mosquera,Santiago
Calderón: texto, reescritura, significado y representación.
Madrid / Frankfurt, 2015, Iberoamericana / Vervuert, 354 p.,
Biblioteca Áurea Hispánica ; 104
ISBN: 9788484898979

521897El título de esta monografía remite de una manera directa a los objetivos del libro, abordados de una manera estructurada y complementaria, ya que parten del texto y alcanzan la representación del drama. Este camino, que es el que recorre el propio poeta con su obra, está ilustrado con ejemplos significativos que componen una imagen completa del proceso creativo de Calderón y de la historia de sus textos, desde la edición impresa hasta su actualización en las tablas. La pretensión de este trabajo es ambiciosa porque aspira a explicar el modelo de creación literaria calderoniano y, al tiempo, un modelo de interpretación ajustado a dicho proceso, es decir, tiene como finalidad explicar la obra de Calderón con estrategias hermenéuticas diversas, pero siempre cercanas a una visión filológica que está detrás de cada una de las propuestas.

Santiago Fernández Mosquera es catedrático de Literatura Española en la Universidad de Santiago de Compostela y miembro del Grupo de Investigación Calderón.

Puedes consultar el índice pinchando aquí, la introducción completa aquí y comprarlo, aquí.